Aimant Edgar Degas - Chanteur avec Glove 1878 Femme Flowe

Titre Deutsch : Die Sängerin mit dem Handschuh Année 1878 Technique Deutsch : Mischtechnik auf Karton Dimensions Deutsch : 53 × 41 cm...Médias mixtes sur carton. Il est considéré comme l'un des fondateurs de l'impressionnisme bien qu'il ait rejeté le terme, et a préféré être traité de réaliste. Superbe dessinateur, il est particulièrement identifié au sujet de la danse, et plus de la moitié de ses oeuvres dépeignent des danseurs. Ils montrent sa maîtrise dans la représentation du mouvement, tout comme ses sujets d'hippodrome et ses nus féminins. Ses portraits se distinguent par leur complexité psychologique et leur description de l'isolement humain. Au début de sa carrière, son ambition était d'être peintre d'histoire, une vocation pour laquelle il était bien préparé par sa formation académique rigoureuse et une étude approfondie de l'art classique. Au début des années trente, il changea de cap, et en apportant les méthodes traditionnelles d'un peintre d'histoire à la matière contemporaine, il devint peintre classique de la vie moderne. Degas est né à Paris, en France, l'aîné des cinq enfants de Célestine Musson De Gas et Augustin De Gas, banquier. La famille était modérément riche. Sa mère mourut quand Degas avait treize ans, après quoi son père et son grand-père furent les principales influences sur sa vie précoce. A l'âge de onze ans, Degas (à l'âge adulte, il abandonne l'orthographe plus prétentieuse du nom de famille) commence sa scolarité avec inscription au Lycée Louis-le-Grand, diplômé en 1853 avec un baccalauréat en littérature. Degas commença à peindre au début de sa vie. À dix-huit ans, il avait transformé une pièce de sa maison en studio d'artiste et, en 1853, il s'est inscrit comme copiste au Louvre. Son père, cependant, s'attendait à ce qu'il aille à l'école de droit. Diplômes dûment inscrits à la Faculté de droit de l'Université de Paris en novembre 1853, mais fait peu d'efforts à ses études là-bas. En 1855, Degas rencontre Jean Auguste Dominique Ingres, qu'il vénère, et dont il n'a jamais oublié le conseil : "Dessinez des lignes, jeune homme, et encore plus de lignes, de la vie et de la mémoire, et vous deviendrez un bon artiste." En avril de la même année, Degas est admis à l'Ecole des Beaux-Arts, où il étudie le dessin avec Louis Lamothe, sous la direction duquel il s'épanouit, selon le style des Ingres. En juillet 1856, Degas se rend en Italie, où il restera pendant les trois années suivantes. En 1858, alors qu'il séjourne dans la famille de sa tante à Naples, il fait les premières études pour son premier chef-d'oeuvre, La famille Bellelli. Il dessine et peint aussi des copies après Michel-Ange, Raphaël, Titien et d'autres artistes de la Renaissance, choisissant souvent à partir d'un retable une tête individuelle qu'il traitait comme un portrait En 1860 Degas fit plus de sept cents copies d'oeuvres dont la Renaissance italienne et l'art classique français. À son retour en France en 1859, Degas déménage dans un studio Paris assez grand Il commence à peindre la famille Bellelli, une toile imposante qu'il projette d'exposer dans le Salon, bien qu'elle reste inachevée jusqu'en 1867. Il commence également à travailler sur plusieurs peintures historiques : Alexandre et Bucephalus et La Fille de Jephthah en 1859-60 ; le bâtiment Sémiramis Babylon en 1860 ; et les jeunes Spartans vers 1860. En 1861, Degas rend visite à son ami d'enfance Paul Valpinçon en Normandie et fait le premier de ses nombreuses études de chevaux. Il exposa au Salon pour la première fois en 1865, lorsque le jury accepta sa peinture Scène de guerre au Moyen Âge, qui attira peu l'attention. Bien qu'il ait exposé chaque année dans le Salon au cours des cinq années suivantes, il n'a soumis plus de tableaux historiques, et son Steeplechase - The Fallen Jockey (Salon de 1866) a fait part de son engagement croissant envers la matière contemporaine. Le changement dans son art a été influencé principalement par l'exemple d'Edouard Manet, que Degas avait rencontré en 1864 (alors que tous deux copiaient le même portrait Velázquez au Louvre, selon une histoire qui peut être apocryphe). Au début de la guerre franco-prussienne en 1870, Degas s'engagea dans la Garde nationale, où sa défense de Paris lui laissa peu de temps pour peindre. Pendant l'entraînement de fusil, on a trouvé sa vue défectueuse, et pour le reste de sa vie, ses problèmes oculaires lui ont été une préoccupation constante. Après la guerre, en 1872, Degas entreprend un long séjour à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, où son frère René et un certain nombre d'autres membres de la famille habitent. En séjournant dans une maison sur l'avenue Esplanade, Degas a produit un certain nombre d'oeuvres, dont beaucoup dépeignent des membres de la famille. Une des oeuvres de Degas à la Nouvelle-Orléans, représentant une scène à la Cotton Exchange à la Nouvelle-Orléans, a attiré une attention favorable en France, et a été sa seule oeuvre achetée par un musée (celui de Pau) au cours de sa vie. Degas est retourné à Paris en 1873. L'année suivante, son père mourut, et dans le règlement ultérieur de la succession, on découvrit que le frère de Degas René avait amassé d'énormes dettes commerciales. Pour préserver le nom de famille, Degas a été forcé de vendre sa maison et une collection d'art qu'il avait héritée. Dépendant pour la première fois de sa vie de la vente de son oeuvre pour le revenu, il a produit une grande partie de son plus grand travail au cours de la décennie commençant en 1874. Désenchanté du Salon, Degas a joint ses forces à un groupe de jeunes artistes qui avaient l'intention d'organiser une société d'exposition indépendante. La première de leurs expositions, qui fut rapidement baptisée Expositions impressionnistes, fut en 1874. Les impressionnistes ont par la suite tenu sept autres spectacles, le dernier en 1886. Degas a joué un rôle de premier plan dans l'organisation des expositions, et a montré son travail dans tous sauf un d'entre eux, malgré ses conflits persistants avec d'autres membres du groupe. Il avait peu en commun avec Monet et les autres peintres de paysage, qu'il se moquait pour peindre à l'extérieur. Conservateur dans ses attitudes sociales, il a détesté le scandale créé par les expositions, ainsi que la publicité et la publicité que ses collègues recherchaient. Il rejeta amèrement l'impressionniste étiquette que la presse avait créé et popularisé, et son insistance à inclure des artistes non impressionnistes comme Jean-Louis Forain et Jean-François Raffaëlli dans leurs expositions créa de la rancoeur au sein du groupe, contribuant à leur dissolution éventuelle en 1886. Alors que sa situation financière s'améliorait grâce à la vente de ses propres oeuvres, il pouvait se livrer à sa passion pour la collection d'oeuvres d'artistes qu'il admirait : de vieux maîtres comme El Greco et des contemporains comme Manet, Pissarro, Cézanne, Gauguin et Van Gogh. Trois artistes qu'il idolâtrait, Ingres, Delacroix et Daumier, étaient particulièrement bien représentés dans sa collection. À la fin des années 1880, Degas développa également une passion pour la photographie. Il a photographié beaucoup de ses amis, souvent au grand dam des autres, comme dans son double portrait de Renoir et de Mallar. D'autres photographies, représentant des danseurs et des nus, ont été utilisées comme référence dans certains dessins et peintures de Degas. Au fil des années, Degas est devenu isolé, en partie parce qu'il croyait qu'un peintre ne pouvait avoir de vie personnelle. La polémique de l'affaire Dreyfus a mis ses penchants antisémites au premier plan et il a rompu avec tous ses amis juifs. Sa nature argumentatrice a été déplorée par Renoir, qui a dit de lui : "Quelle créature il était, que Degas! Tous ses amis ont dû le quitter ; j'étais l'un des derniers à partir, mais même moi je ne pouvais pas rester jusqu'à la fin." Bien qu'il soit connu pour avoir travaillé dans le pastel jusqu'à la fin de 1907 et qu'on pense qu'il a continué à faire de la sculpture jusqu'en 1910, il semble avoir cessé de travailler en 1912, lorsque la démolition imminente de sa résidence de longue date sur la rue Victor Massé a forcé un déplacement déchirant vers les quartiers sur le boulevard de Clichy. Il ne s'est jamais marié et a passé les dernières années de sa vie, presque aveugle, à errer sans cesse dans les rues de Paris avant de mourir en 1917. Degas est souvent identifié comme un impressionniste, une description compréhensible mais insuffisante. L'impressionnisme est né dans les années 1860 et 1870 et s'est développé, en partie, du réalisme de peintres comme Courbet et Corot. Les impressionnistes peignaient les réalités du monde autour d'eux à l'aide de couleurs vives et "éblouissantes", se concentrant principalement sur les effets de la lumière, et espérant insuffler immédiatement leurs scènes. Techniquement, Degas se distingue des impressionnistes en ce qu'il "n'a jamais adopté le flecque de couleur impressionniste", et il n'a cessé de minimiser leur pratique de la peinture en plein air. Selon l'historienne de l'art Carol Armstrong, "il était souvent aussi anti-impressionniste que les critiques qui ont passé en revue les spectacles", explique Degas lui-même, "aucun art n'était plus aussi spontané que le mien. Ce que je fais est le résultat de la réflexion et de l'étude des grands maîtres ; de l'inspiration, de la spontanéité, du tempérament, je ne sais rien." Néanmoins, il est décrit plus précisément comme un impressionniste que comme un membre de tout autre mouvement. Ses scènes de la vie parisienne, ses compositions off-center, ses expériences de couleur et de forme, et son amitié avec plusieurs artistes impressionnistes clés, notamment Mary Cassatt et Edouard Manet, le tout se rapportent intimement au mouvement impressionniste. Le style de Degas reflète son profond respect pour les anciens maîtres (il était un copiste enthousiaste jusqu'au milieu de l'âge) et sa grande admiration pour Jean Auguste Dominique Ingres et Eugène Delacroix. Il était aussi collectionneur d'estampes japonaises, dont les principes de composition influaient sur son travail, tout comme le réalisme vigoureux d'illustrateurs populaires comme Daumier et Gavarni. Bien que célèbre pour les chevaux et les danseurs, Degas a commencé avec des peintures historiques classiques comme The Young Spartans, dans lequel son progrès graduel vers un traitement moins idéalisé de la figure est déjà manifeste. Au cours de sa carrière, Degas a également peint des portraits d'individus et de groupes; un exemple de ce dernier est La famille Bellelli (c.1858-1867), une représentation brillamment composée et psychologiquement poignante de sa tante, de son mari et de leurs enfants. Dans ce tableau, comme dans Les Jeunes Spartiates et de nombreuses oeuvres ultérieures, Degas a été attiré par les tensions présentes entre les hommes et les femmes. Dans ses premières peintures, Degas a déjà mis en évidence le style mature qu'il développerait plus tard en recadrant maladroitement les sujets et en choisissant des points de vue inhabituels. À la fin des années 1860, Degas est passé de ses premières incursions à la peinture d'histoire à une observation originale de la vie contemporaine. Les scènes d'hippodromes offraient l'occasion de représenter les chevaux et leurs cavaliers dans un contexte moderne. Il commença à peindre des femmes au travail, des meuniers et des linges. Mlle. Fiocre dans le Ballet La Source, exposé dans le Salon de 1868, fut son premier grand travail à introduire un sujet avec lequel il deviendrait spécialement identifié, danseurs. Dans bien des peintures subséquentes, des danseurs ont été montrés en coulisses ou en répétition, soulignant leur statut de professionnels faisant un travail. Ce sont ces danseurs qui ont déterminé la popularité de Degas à ce jour, à partir de 1870 il peint de plus en plus des sujets de ballet. Parmi d'autres raisons, la série de ballet était facile à vendre et vu que les dettes de son frère avaient laissé la famille en faillite, Degas avait besoin d'argent. Degas commença à peindre la vie des cafés aussi. Il a exhorté d'autres artistes à peindre "la vie réelle" au lieu de peintures mythologiques ou historiques traditionnelles, et les rares scènes littéraires qu'il a peintes étaient modernes et d'un contenu très ambigu. Par exemple, Interior (qui a aussi été appelé The Rape) a présenté un casse-tête aux historiens de l'art à la recherche d'une source littéraire ; des preuves internes suggèrent qu'il peut être basé sur une scène de Thérèse Raquin. Comme son sujet a changé, la technique de Degas l'a aussi changé. La palette sombre qui portait l'influence de la peinture hollandaise a cédé la place à l'utilisation de couleurs vives et de touches audacieuses. Des tableaux comme la place de la Concorde se lisent comme des "instantanés", des moments glacés pour les représenter avec précision, donnant un sens du mouvement. Le manque de couleur dans la répétition de ballet de 1874 sur scène et l'instructeur de ballet de 1876 peut être dit pour lier avec son intérêt pour la nouvelle technique de la photographie. Les changements apportés à sa palette, à son brosse et à son sens de la composition témoignent tous de l'influence que le mouvement impressionniste et la photographie moderne, avec ses images spontanées et ses angles décalés, avaient sur son travail. Faisant fi de la distinction entre portraits et oeuvres de genre, il peint son ami bassooniste Désiré Dihau dans l'Orchestre de l'Opéra (1868-69) comme l'un des quatorze musiciens d'une fosse d'orchestre, vu comme par un membre du public. Au-dessus des musiciens ne peuvent être vus que les jambes et les tutus des danseurs sur scène, leurs figures recadrées par le bord du tableau. L'historien de l'art Charles Stuckey a comparé le point de vue à celui d'un spectateur distrait dans un ballet, et dit que "c'est la fascination de Degas pour la représentation du mouvement, y compris le mouvement des yeux d'un spectateur comme au hasard, qui parle correctement "impressionniste"." Le style mature de Degas se distingue par des passages visiblement inachevés, même dans des peintures par ailleurs très serrées. Il a souvent accusé ses ennuis oculaires de son incapacité à finir, une explication qui a rencontré un certain scepticisme de la part de collègues et de collectionneurs qui ont raisonné, comme l'explique Stuckey, que "ses photos auraient à peine pu être exécutées par quiconque n'avait pas une vision adéquate." L'artiste a fourni un autre indice quand il a décrit sa prédilection "pour commencer une centaine de choses et ne pas finir l'une d'entre elles", et était dans n'importe quel coque notoirement réticent à considérer une peinture complète. Son intérêt pour le portrait l'a conduit à étudier soigneusement les façons dont la stature sociale ou la forme d'emploi d'une personne peuvent être révélées par sa physionomie, sa posture, sa tenue vestimentaire et d'autres attributs. Dans ses portraits de 1879, à l'Échange Stock, il dépeignait un groupe d'hommes d'affaires juifs avec un soupçon d'antisémitisme. En 1881, il expose deux pastels, Criminal Physiognomies, qui dépeignent des membres de gangs juvéniles récemment condamnés pour meurtre dans l'"affaire Abadie". Degas avait assisté à leur procès avec un carnet de croquis à la main, et ses nombreux dessins des accusés révèlent son intérêt pour les caractéristiques ataviques que certains scientifiques du XIXe siècle considéraient comme des preuves de la criminalité innée[33]. Dans ses peintures de danseurs et de laveries, il révèle leurs occupations non seulement par leur robe et leurs activités, mais aussi par leur type de corps. Ses ballerines présentent une physique athlétique, tandis que ses linges sont lourds et solides. Vers la fin des années 1870, Degas maîtrisait non seulement le médium traditionnel de l'huile sur toile, mais aussi le pastel. Le milieu sec, qu'il appliquait dans des couches et des textures complexes, lui a permis de concilier plus facilement son installation pour la ligne avec un intérêt croissant pour la couleur expressive. Au milieu des années 1870, il retourna également au milieu de la gravure, qu'il avait négligé pendant dix ans, et commença à expérimenter avec des supports d'impression moins traditionnels : lithographies et monotypes expérimentaux. Il était particulièrement fasciné par les effets produits par le monotype, et fréquemment retravaillé les images imprimées avec le pastel. Ces changements dans les médias ont engendré les peintures que Degas produirait dans la vie future. Degas a commencé à dessiner et peindre les femmes se séchant avec des serviettes, peignant leurs cheveux, et se baigner (voir : Après le bain). Les traits qui modélisent la forme sont griffés plus librement qu'avant ; les arrière - plans sont simplifiés. Le naturalisme méticuleux de sa jeunesse a cédé la place à une abstraction croissante de la forme. Hormis son habileté remarquable et son obsession pour la figure, les images créées à cette fin de sa vie n'ont que peu de ressemblance superficielle avec ses premiers tableaux. Ironiquement, ce sont ces peintures, créées tard dans sa vie, et après l'âge d'or du mouvement impressionniste, qui utilisent le plus évidemment les techniques coloristiques de l'impressionnisme. Malgré toute l'évolution stylistique, certaines caractéristiques de l'oeuvre de Degas restèrent les mêmes tout au long de sa vie. Il peint toujours à l'intérieur, préférant travailler dans son atelier, soit de mémoire, soit en utilisant des modèles. Le personnage reste son sujet principal; ses quelques paysages sont produits par la mémoire ou l'imagination. Il n'était pas inhabituel pour lui de répéter un sujet plusieurs fois, en variant la composition ou le traitement. Il était un artiste délibératif dont les oeuvres, comme l'a écrit Andrew Forge, "étaient préparées, calculées, pratiquées, développées par étapes. Elles étaient composées de parties. L'ajustement de chaque partie à l'ensemble, leur disposition linéaire, a été l'occasion d'une réflexion et d'une expérimentation infinies." Degas lui-même a expliqué : "En art, rien ne devrait ressembler au hasard, pas même au mouvement". Degas, qui croyait que "l'artiste doit vivre seul, et sa vie privée doit rester inconnue", vivait une vie ouvertement sans événement. En compagnie, il était connu pour son esprit, qui pouvait souvent être cruel. Il a été qualifié de "vieux curmudgeon" par le romancier George Moore, et il a délibérément cultivé sa réputation de célibataire misanthropique. Profondément conservateur dans ses opinions politiques, il s'est opposé à toutes les réformes sociales et n'a guère admiré les avancées technologiques telles que le téléphone. Il a tiré un modèle en apprenant qu'elle était protestante. Bien que Degas ait peint un certain nombre de sujets juifs de 1865 à 1870, son antisémitisme est devenu apparent au milieu des années 1870. Son tableau de 1879 At The Bourse est largement considéré comme fortement antisémite, avec les traits faciaux du banquier pris directement des caricatures antisémites endémiques à Paris à l'époque. L'affaire Dreyfus, qui divisa Paris des années 1890 au début des années 1900, intensifia encore plus son antisémitisme. Au milieu des années 1890, il avait rompu ses relations avec tous ses amis juifs, désavoué publiquement ses précédentes amitiés avec des artistes juifs et refusé d'utiliser des modèles qu'il croyait être juifs. Il est resté un antisémite sans détours et membre des "Anti-Dreyfusards" antisémites jusqu'à sa mort. Pendant sa vie, la réception publique de l'oeuvre de Degas allait de l'admiration au mépris. En tant qu'artiste prometteur dans le mode conventionnel, Degas fit accepter un certain nombre de peintures dans le Salon entre 1865 et 1870. Ces oeuvres ont été saluées par Pierre Puvis de Chavannes et le critique Castagnary. Degas s'associa rapidement aux impressionnistes, cependant, et rejeta les règles rigides, les jugements et l'élitisme du Salon, tout comme le Salon et le grand public rejetèrent initialement l'expérimentation des impressionnistes. Le travail de Degas était controversé, mais il était généralement admiré pour son travail de dessinateur. Sa Petite Danseuse de Quatorze Ans, qu'il exposa à la sixième exposition impressionniste en 1881, était probablement son oeuvre la plus controversée ; certains critiques ont dénoncé ce qu'ils considéraient comme une "laideur épouvantable", tandis que d'autres y voyaient une "floraison". La suite de nu Degas exposée dans la huitième Exposition impressionniste en 1886 produisit "le corps critique le plus concentré sur l'artiste au cours de sa vie. ... La réaction générale a été positive et élogieuse." Reconnu comme un artiste important à la fin de sa vie, Degas est maintenant considéré comme "l'un des fondateurs de l'impressionnisme". Bien que son oeuvre ait traversé de nombreuses frontières stylistiques, son implication avec les autres grandes figures de l'impressionnisme et leurs expositions, ses peintures dynamiques et ses croquis de la vie et des activités quotidiennes, et ses audacieuses expériences en couleur, l'a finalement fait cravate au mouvement impressionniste comme l'un de ses plus grands artistes primitifs. Ses peintures, ses pastels, ses dessins et ses sculptures - la plupart de ces derniers n'étaient pas destinés à l'exposition et n'ont été découverts qu'après sa mort - sont exposés en évidence dans de nombreux musées. Après sa mort en 1917, plus de 150 oeuvres sculpturales ont été trouvées dans son atelier, dont les sujets se composaient principalement de chevaux de course et de danseurs. Les chercheurs de Degas ont convenu que les sculptures n'étaient pas créées comme des aides à la peinture. Sa première et unique exposition de sculpture au cours de sa vie eut lieu en 1881 quand il exposa Le Petit Danseur de Quatorze Ans, présenté seulement à nouveau en 1920; le reste des oeuvres sculpturales resta privé jusqu'à une exposition après sa mort en 1918. La sculpture n'était pas tant en réponse à sa vision défaillante qu'un élément de plus dans son effort continu d'explorer différents médias. Partout où la possibilité semblait disponible, il explorait des moyens de relier l'art graphique et la peinture à l'huile, le dessin et le pastel, la sculpture et la photographie. Degas attribuait la même signification à la sculpture qu'au dessin : "Le dessin est une façon de penser, la modélisation d'une autre." Même si Degas n'avait pas d'élèves formels, il a fortement influencé plusieurs peintres importants, notamment Jean-Louis Forain, Mary Cassatt et Walter Sickert ; son plus grand admirateur a peut-être été Henri de Toulouse-Lautrec.[ REALISME Le réalisme dans les arts visuels est un style qui dépeint l'actualité de ce que les yeux peuvent voir. Le terme est utilisé dans différents sens de l'histoire de l'art ; il peut signifier la même chose que l'illusionnisme, la représentation de sujets avec mimésis visuel ou la vérisimilitude, ou peut signifier un accent mis sur l'actualité des sujets, les dépeignant sans idéalisation, sans omettre leurs aspects sordides. Les oeuvres peuvent être réalistes dans l'un ou l'autre de ces sens, ou les deux. L'utilisation des deux sens peut être déroutante, mais selon le contexte le deuxième sens est peut-être plus commun. Le réalisme comme une tendance de l'art du 19ème siècle était lié à des mouvements similaires dans le théâtre, la littérature et l'opéra. Tous ont mis l'accent sur la représentation des sujets de tous les jours, mais en aucun cas toujours en écartant les approches classiques, romantiques ou sentimentaux de leur traitement. Le mouvement a débuté dans les années 1850 en France. L'une des oeuvres les plus importantes de Gustave Courbet est A Burial at Ornans, 1849-1850, une toile qui enregistre un événement dont il a été témoin en septembre 1848. La peinture de Courbet sur les funérailles de son grand oncle devint la première grande déclaration du style réaliste. IMPRESSIONISME L'impressionnisme est un mouvement artistique du 19ème siècle qui a commencé comme une association libre d'artistes parisiens dont les expositions indépendantes les ont mis en avant dans les années 1870 et 1880. Le nom du mouvement est dérivé du titre d'une oeuvre de Claude Monet, Impression, Sunrise (Impression, Soleil levant), qui a provoqué le critique Louis Leroy à méditer le terme dans une critique satirique publiée dans Le Charivari. Les caractéristiques des peintures impressionnistes comprennent les coups de pinceau visibles, la composition ouverte, l'accent mis sur la lumière dans ses qualités changeantes (souvent accentuant les effets du passage du temps), la matière ordinaire, l'inclusion du mouvement comme élément crucial de la perception et de l'expérience humaines, et des angles visuels inhabituels. L'émergence de l'impressionnisme dans les arts visuels a été bientôt suivie par des mouvements analogues dans d'autres médias qui sont devenus connus comme la musique impressionniste et la littérature impressionniste. L'impressionnisme décrit aussi l'art créé dans ce style, mais en dehors de la période de la fin du 19ème siècle. Les radicaux de leur temps, les premiers impressionnistes ont enfreint les règles de la peinture académique. Ils ont commencé par donner des couleurs, librement brossées, la primauté sur la ligne, puisant l'inspiration dans l'oeuvre de peintres comme Eugène Delacroix. Ils ont aussi pris l'acte de peindre du studio et dans le monde moderne. Auparavant, les natures mortes et les portraits ainsi que les paysages avaient généralement été peints à l'intérieur. Les impressionnistes ont découvert qu'ils pouvaient capturer les effets momentanés et transitoires de la lumière du soleil en peignant en plein air. En peignant des scènes réalistes de la vie moderne, ils ont mis l'accent sur des effets généraux plutôt que sur les détails. Ils ont utilisé des touches courtes "cassées" de couleur pure et non mélangée, non pas mélangées en douceur, comme c'était d'habitude, afin d'obtenir l'effet de vibrations de couleurs intenses. Bien que la montée de l'impressionnisme en France se soit produite à un moment où plusieurs autres peintres, dont les artistes italiens connus sous le nom de Macchiaioli, et Winslow Homer aux États-Unis, exploraient également la peinture en plein air, les impressionnistes ont développé de nouvelles techniques propres au mouvement. Encombrant ce que ses adhérents prétendaient être une manière différente de voir, c'était un art d'immédiateté et de mouvement, de poses et de compositions candides, du jeu de lumière exprimé dans une utilisation lumineuse et variée de la couleur. L'opinion, d'abord hostile, en est venue à croire que les impressionnistes avaient capturé une vision nouvelle et originale, même si elle n'avait pas reçu l'approbation des critiques d'art et de l'establishment. En recréant la sensation dans l'oeil qui voit le sujet, plutôt que de recréer le sujet, et en créant une multitude de techniques et de formes, l'impressionnisme est devenu un précurseur de divers mouvements de peinture qui suivraient, y compris le néo-impressionnisme, le post-impressionnisme, le fauvisme et le cubisme. PEINTURE La peinture est un mode d'expression et les formes sont nombreuses. Le dessin, la composition ou l'abstraction et d'autres esthétiques peuvent servir à manifester l'intention expressive et conceptuelle du praticien. Les peintures peuvent être naturalistes et représentationnels (comme dans une vie morte ou une peinture de paysage), photographiques, abstraits, être chargés de contenu narratif, de symbolisme, d'émotion ou être de nature politique. La peinture est la pratique consistant à appliquer de la peinture, du pigment, de la couleur ou d'autres moyens à la surface (base de support). Dans l'art, le terme décrit à la fois l'acte et le résultat, qui est appelé une peinture. Les peintures peuvent avoir pour support des surfaces telles que murs, papier, toile, bois, verre, laque, argile ou béton. Les peintures peuvent être décorées avec de la feuille d'or, et certaines peintures modernes incorporent d'autres matériaux dont du sable, de l'argile et des morceaux de papier. Une partie de l'histoire de la peinture dans l'art oriental et occidental est dominée par des motifs et des idées spirituels ; des exemples de ce type de peinture vont de l'oeuvre représentant des figures mythologiques sur la poterie aux scènes bibliques sur les murs intérieurs et le plafond de la Chapelle Sixtine, aux scènes de la vie de Bouddha ou d'autres scènes d'origine religieuse orientale. Parmi les directions continues et actuelles de la peinture au début du 21e siècle sont la peinture monochrome, la peinture de pointe, l'abstraction géométrique, l'appropriation, l'hyperréalisme, le photomérisme, l'expressionnisme, le minimalisme, l'abstraction lyrique, l'art pop, l'expressionnisme Abstrait, la peinture de champ de couleur, le néo-expressionnisme, le collage, la peinture intermédia, l'assemblage, L'art informatique, la peinture postmoderne, la peinture néo-dadaïste, la peinture en toile façonnée, la peinture murale de l'environnement, la peinture traditionnelle, la peinture paysagère, la peinture Portrait et l'animation peinture sur verre. Les développements de la peinture orientale sont historiquement parallèles à ceux de la peinture occidentale, en général, quelques siècles plus tôt. L'art africain, l'art islamique, l'art indien, l'art chinois et l'art japonais ont chacun eu une influence significative sur l'art occidental, et finalement, inversement. Les plus anciennes peintures connues se trouvent à la Grotte Chauvet en France, dont certains historiens affirment qu'elles ont environ 32 000 ans. Ils sont gravés et peints à l'aide d'ocre rouge et de pigment noir et montrent des chevaux, des rhinocéros, des lions, des buffles, des mammouths ou des humains qui chassent souvent. Cependant, les premiers signes de peinture ont été découverts dans deux abris rocheux à Arnhem Land, dans le nord de l'Australie. Dans la couche la plus basse de matériel de ces sites, il y a des morceaux d'ocre usagés dont on estime qu'ils ont 60 000 ans. Les archéologues ont également trouvé un fragment de peinture rupestre conservé dans un abri rocheux calcaire dans la région de Kimberley, dans le nord-ouest de l'Australie, datant de 40 000 ans. Il y a des exemples de peintures rupestres partout dans le monde - en France, Espagne, Portugal, Chine, Australie, Inde, etc. Dans les cultures occidentales, la peinture à l'huile et la peinture à l'aquarelle sont les médias les plus connus, avec des traditions riches et complexes dans le style et le sujet. À l'est, l'encre et l'encre de couleur ont toujours prédominé le choix des médias avec des traditions tout aussi riches et complexes. Différents types de peinture sont généralement identifiés par le milieu dans lequel le pigment est suspendu ou incorporé, ce qui détermine les caractéristiques générales de travail de la peinture, comme la viscosité, la miscibilité, la solubilité, le temps de séchage, etc.