Les racines de la musique ambiante retournent au début du 20ème siècle. En particulier, la période juste avant qu'et après que la première guerre mondiale ait provoqué deux mouvements d'art significatifs qui ont encouragé l'expérimentation avec de diverses formes musicales (et non musicales), tout en rejetant des styles plus conventionnels et liés par tradition d'expression. Ces mouvements d'art se sont appelés Futurism et le Dadaism. Hormis être connu pour leurs peintres et auteurs, ces mouvements ont également attiré musiciens expérimentaux et les de "anti-musique" tels que Francesco Balilla Pratella du mouvement de futurisme et le Kurt Schwitters et l'Erwin d'avant-guerre Schulhoff du mouvement d'après-guerre de Dadaist. Le dernier mouvement a joué un rôle influent dans le développement musical d'Erik Satie. En tant que compositeur français de début du 20ème siècle, Erik Satie a utilisé de telles explorations Dadaist-inspirées pour créer une forme tôt de musique de fond ambiante/qu'il a marquée "musique de meubles" (d'ameublement de Musique). Ceci qu'il a décrit en tant qu'étant la sorte de musique qui pourrait être jouée pendant un dîner pour créer une atmosphère d'arrière - plan pour cette activité, plutôt que la portion comme centre de l'attention. [4] De cette plus grande perspective historique, Satie est le lien entre ces mouvements d'art tôt et le travail de Brian Eno, qui comme école d'art a formé le musicien, a eu une appréciation des mondes de musique et d'art. À côté de ces développements précoces, des formes plus conventionnelles de musique ont commencé à noter une telle expérimentation et ont à leur tour provoqué la future influence d'ambiant dans le travail des compositeurs de modernistes tels que John Cage et Morton Feldman aussi bien que les compositeurs minimalistes tels que des jeunes de Monte de La, [5] [6] Terry Riley, [6] Philip Glass, [6] et Steve Reich. [6] Le paradis d'Entropical de Douglas Leedy, libéré comme trois LP a placé par des Seraphim en 1971, se composant de six, côté-long, les compositions "de la musique de l'environnement", en lesquelles on a permis aux des arrangements modulaires simples de synthétiseur de jouer sans davantage d'intervention. Brian Eno est généralement crédité la musique ambiante" en mi-1970 s d'inventer terme "pour se rapporter à la musique qui, comme il a énoncé, peut être ou "activement écouté avec l'attention ou comme facilement ignoré, selon le choix de l'auditeur", et qui existe sur le "tranchant entre la mélodie et la texture". [4] Eno, qui se décrit en tant que "non-musicien", a nommé ses expériences dans le bruit en tant que "traitements" plutôt qu'en tant que représentations traditionnelles. Eno a employé le mot "ambiant" pour décrire la musique qui crée une atmosphère qui met l'auditeur dans un état d'esprit différent ; après avoir choisi le mot basé sur le terme latin "ambire", "pour entourer". [7] Les notes d'album accompagnant la sortie 1 ambiant d'Eno 1978 : La musique pour des aéroports incluent un manifeste décrivant la philosophie derrière sa musique ambiante : "La musique ambiante doit pouvoir adapter à beaucoup de niveaux de l'attention de écoute sans imposer un en particulier ; elle doit être aussi ignorable qu'il est intéressant. " [8] Eno a reconnu l'influence d'Erik Satie et de John Cage. En particulier, Eno se rendait compte de l'utilisation de la cage de l'occasion telle que jeter l'I Ching pour affecter directement la création de composition musicale. Eno a alors utilisé une méthode semblable de tisser le caractère aléatoire dans ses structures compositionnelles. Cette approche a été manifestée dans la création d'Eno des stratégies obliques, où il avait l'habitude un ensemble de cartes particulièrement conçues pour créer les divers dilemmes sains qui consécutivement, ont été résolues en explorant de divers chemins ouverts, jusqu'à ce qu'une résolution à la composition musicale se soit indiquée. Des influences également reconnues d'Eno de la musique de bourdon des jeunes de Monte de La (de qui il a dit, "le jeune de Monte de La est tout le papa de nous" [5]) et de la musique d'ambiance de Miles Davis et de Teo Macero, particulièrement leur morceau de 1974 épopées, "il l'a aimé follement dont", au sujet Eno a écrit, "que le morceau a semblé avoir qualité "spacieuse la" que j'étais après que… ce soit devenu une pierre de touche à laquelle je suis revenu fréquemment. " [7] Au delà de l'influence principale de Brian Eno, d'autres musiciens et bandes ont ajouté au noyau croissant de la musique qui a évolué autour du développement "de la musique ambiante". Tandis que pas une liste approfondie, une ne peut pas ignorer les influences parallèles de Wendy Carlos, qui ont produit le morceau de musique originale ont appelé "Timesteps" qui a été alors employé comme filmscore à l'orange de rouages, aussi bien qu'elle de plus défunts assaisonnements de Sonic de travail. D'autres artistes significatifs tels que Mike Oldfield, Jean Michel Jarre et Vangelis tous ont ajouté à ou ont directement influencé l'évolution de la musique ambiante. S'ajoutant à ces différents artistes, les travaux par des groupes tels que Pink Floyd, par leurs albums Ummagumma, se mêlent et se sont obscurcis par des nuages. L'orchestre magique jaune a développé un style distinct de la musique électronique ambiante qui plus tard serait connu en tant que musique ambiante de maison. [9] D'autres groupes comprenant l'oui avec leurs contes d'album des océans topographiques, du trio de Hafler et de Kraftwerk ont tous les aspects distinctifs supplémentaires à l'élevage et au genre diversifié de la musique ambiante.